录音水平总体一直在上升

经过很多次现场，尤其是近距离聆听了一些独奏家和室内乐组合的演出后，例如听F.P.Zimmermann现场拉那把原来F.Kreisler用过的小提琴，和Kreisler本人的录音做比较，我发现单声道录音的饱满，和真实乐器的饱满不是一回事情。真实乐器的声音细腻而质感强烈，饱满而充满细节，但远没有单声道录音那样的过份厚度的饱满，两者的质感不可同日而语。加厚声音的饱满度的确可以带来很好的听感，但我觉得和真实差得蛮远的。单声道录音这样增加饱满度的做法，和模拟立体声录音时代一些顶级录音师追求音场的宽、深，乐器的定位和分离度等等一样，是由于录音质量无法真实还原乐器或者人声的真实质感，而人工添加的一些提升听感的东西，增加一些聆听乐趣罢了。

立体声录音同样存在类似问题。其实对比一下单声道录音和历史录音的发展轨迹，有其相似的地方。比如20年代的单声道录音和40年代比，声音薄，信息量少，质感密度差，而早期的50年代立体声录音和后来黄金岁月60年代末比，和单声道的发展道路何其一致？80年代数码录音又开始一轮新的循环，从80年代到现在，数码录音的厚度、密度、质感又大大的提升。

所以我认为，从录音技术发明至今，录音水平总体一直在上升，一直在朝着细腻而具有真实质感的无限接近真实乐器和人声的方向发展。每个录音技术发明后都有个上升周期，都有其顶点。下一代的新录音技术在某个点上超越老技术，不是有没有可能的问题，而是一个历史规律。

可能不同意我的观点的朋友不在少数，其中还包括很多经常去现场听音乐会的朋友。我看到一些很懂音乐的朋友一边连连赞叹今年上海指环现场的辉煌，一边弹指一挥说数码录音完全无法重现这样的辉煌，然后转眼去买53年Krauss的单声道录音。当然我也去买了53年的这个单音录音，但我不认为53的录音就能够重现瓦格纳的辉煌。高级的CD机是用插值法提升录音的听感，高级的音乐爱好者，我认为是用大脑插值法，把这些有严重缺陷的古早录音，补充成鲜活玲珑的现场声。用大脑插值法是一个欣赏历史录音的好方法，但是评价录音，还是要在插值之前来评价，如果老烧们都用插值过后的声音来说，那数码录音败得一塌糊涂也就可以理解了。

另外，现场音乐会影响声音的因素很多，很多场地的声学特性并不好，加上真实乐器的声音很容易衰减，导致在不同座位听现场音乐会的音效参差不齐，甚至远不如音响系统。比如在东艺最后排听小提琴独奏，可能还不如一套中等CD系统播放录音的音效好。如果有可能，大家现场去聆听音乐会的时候，尤其遇到顶级的乐团或者独奏家，尽量要靠近乐器坐，听乐器的直接声，排除音乐场地的干扰，不仅会对真实的声音（特指音乐的声音）有更为准确的把握，也同时可以更加深度了解每个艺术家，每个乐团的真实实力。好比我去年坐在大约10排前后听了好多场音乐会，听Staatskapelle Dresden和维也纳爱乐感觉非常好，尤其是维也纳爱乐，其弦乐组的实力不是现场听是很难理解为何他们常年排名全球前二的。而之后的悉尼爱乐，我仍然前排聆听，简直可以用粗俗丑陋来形容。而坐在后排听的朋友，由于直接声的细节损失较多，听到的多是东艺的反射声，反而听感好了不少。今年我仍然在前排听了LSO，这个大名鼎鼎的团固然受到一个烂指挥的影响，但其弦乐组的实力仍然可以清晰的听出远在维也纳爱乐之下，比Staatskapelle Dresden也有一些差距。

由以上的现场感触，再谈谈最新的数码录音，西门力图和柏林爱乐的马勒九2008年的录音。没有现场听过柏林爱乐是我的一大遗憾，好在有一次维也纳爱乐现场的参考。做为两个级别相当的乐团，柏林爱乐的地位近年来似乎不太稳固。很多批评家，包括很多国内的音乐评论都认为柏林爱乐已经堕落，在德国境内一大把乐团可以超越它，比如Gewandhaus、Staatskapelle Dresden、巴伐利亚广播、北德广播等等。从我听过的现场来看，Gewandhaus、Staatskapelle Dresden、北德广播是无法和维也纳爱乐抗衡的，柏林爱乐的现场对我是个未知数。但从西门力图这个2008年的现场录音来说，居然在我的中等系统里听到了类似维也纳爱乐那样震撼的弦乐感觉。我不得不推断，一、柏林爱乐无愧和维也纳爱乐并列全球TOP2，二、EMI的这个数码录音距离真实现场又近了一步。即便在一些正式的演出场合，一些有名气的演奏家，往往也因为乐器不佳而令人遗憾。我今年听过的两场演出便是如此。一场是巴洛克小提琴家E.Wallfisch，一场是德国Henschel Quartett，他（她）们使用的小提琴听得出来，都不是名琴，音色晦暗干涩，对音乐的走向有着极大的影响。尤其是Wallfisch教授，演出后通过交流，得知她的琴才做好几个月，这才恍然大悟。但即便这样的琴，也不是太便宜的。

听过好的乐器现场，包括今年F.P.Zimmermann东艺现场，他那把Kreisler用过的斯特拉底瓦里名琴“Lady Inchiquin”音色极其冷艳高贵，如果不是看介绍资料，绝对不会相信这把琴和唱片里克莱斯勒的录音有任何联系。还有几年前英国美女Nicola Benedetti在上海音乐厅的演出，她的琴艺一般，音色自然就打折扣了，但是琴本身的音色实在太好，这把1757年出品的瓜乃里名琴，也算是我听过第二好听的现场小提琴了。

钢琴由于过于笨重巨大，一般演奏家都不会随身携带。通常由演出场所准备。我听过的包括北京国家大剧院、东方艺术中心、上海音乐厅、苏州科文大剧院清一色都是斯坦威大三角。说到钢琴的穿透力，在这些场所，钢琴的独奏往往令人印象深刻。但是协奏很难令人满意。即便坐在前排，现场钢琴和乐队的比例都远远比录音小。钢琴家稍稍水平不够，立马被乐队压制。由于活着的老大牌很少来中国演协奏曲，我至今还没听到过满意的协奏曲演出。唱片里的协奏曲，钢琴多多少少有点夸张了。

三、听音乐还是听声音的问题
这个问题最纠结，也是很多讨论到后来不了了之的原因。听音乐还是听声音？听录音还是听演绎？我觉得好比上面说的乐器和演奏家的关系，应该分开讨论，但实际上还是相互影响的。但尽量的剥离，我觉得很有必要。我一直认为演绎无法讨论，审美区别太大，而唯一可以讨论的是客观存在的声音（录音音质）。类似企鹅那样几颗星戴花戴钥匙的并不科学，倒是ClassicsToday网站上把录音和演绎分开评分，我觉得更有参考价值和讨论基础。于那个什么模拟录音好听，数码录音不好听，这些个人觉得是误区。相对来说，模拟录音的东西有衰减期。而数字录音的却不存在这样的问题。所以，当年“武帝”为了他的作品永垂不朽，在见上帝之前，卯足劲，使上吃奶的力气，完成了DDD的贝交全集，那个不容易啊，也难为他老人家了，为了表明永垂不朽，还烫金，叫金卡！其实他也知道，5－70年代录的三套因为保存的问题，后人迟早会遗忘的，但是80年代的不会。子子孙孙都可以聆听到武帝的光辉形象，瞻仰他的丰功伟绩！武帝心里跟明镜似的。但可惜啊，廉颇老矣，尚能饭否？最后一套贝交，口碑远不如60年代的那套。正所谓现在看到的万里长城都是明长城，但是名气远没有秦长城那么响亮啊！

很多人非常执迷于模拟录音，而摒弃数码录音。这个依鄙人的观点是有失偏颇的。个人认为50－60年代模拟录音的确可取，这个年代的录音大部分全部是真空管录音，而且录音质量上乘，录音大师也相当多！因此听上去声音即温暖又透明！但是把数码的声音说成硬帮帮冰冷的数码声，这个我倒不是很同意。

数码录音干净，还原性前，细节丰富这些都是有点，至于有数码声估计是播放设备的问题，而不是唱片本身的问题，由于低端播放设备并不能很好解决jitter和时钟问题，导致听到不真实的声音才有有上述现象。如果一旦播放设备达到一定层次了，那种问题也就迎刃而解了。而且随着数码技术的发展更高层次的录音又出现了，我听过蓝光版的唱片，那种密度不是CD可以比的，蓝光机才1000多元，而CD机将近20000元。单这一项CD机全输了。当然音色和其他方面还是CD机占优势些。那如果蓝光机音频部分做成20000元级CD机的时候呢。这个答案就很清晰了。

还有一个例子。我在念高中的时候，我家所处的位置处于杭州和上海之间，两地的FM电台都能清晰的接受。杭州的电台声音听上去干净，但是高频偏亮，属于冷色调，不耐听。而上海的电台播音乐的时候声底温暖，但是高频细节同样不缺。为什么？？同样的歌（那时候都是听流行的，所以打榜唱片都是唱片公司提供的，不大会出现盗版之类的，那时候电脑播放根本还未出现）为什么差别这么大呢。这个疑问我一直到工作后才解开。有一次一电台的朋友要我去浙江经济台做嘉宾。我去一看发现浙江台用的播放器就是普通千把块的sonyCD机。而听说上海电台用的是瑞士的REVOX(STUDER)cd播放器。差距啊！

嘿嘿，听听STARKER1978年在DENON公司最早数码设备录的几张大提琴的唱片，发现声音依旧温暖动听，呼吸和人晃动的形体都可以听出来。

不管是 模拟还是数码录音是金子总会发光的！从唱片制作人这个行当说起吧。第一位伟大的唱片制作人，是Fred Gaisberg（1873-1951）。他几乎在唱片业诞生时就踏进了这个行当。Enrico Caruso的唱片，就是他负责的。他的唱片制作理念，可以总结为：忠实记录伟大艺术家们的声音。他利用各种手段，让Casals录下巴哈无伴奏大提琴组 曲全集，让Schnabel录下贝多芬钢琴奏鸣曲全集。我们今天看到EMI发行的Reference系列，大部分重头戏都由Gaisberg操办。

    二战结束之后，新一代唱片制作人成长起来了。代表人物是EMI的Walter Legge和RCA的John Pfeiffer。他们不仅要让艺术家们走进录音室，让新出现的LP更真实地回放艺术家们的声音，他们还有更高的理想：制作人必须保证唱片的艺术质量。这 些制作人虽然自己不能唱不能弹不能指挥，但是他们都有着第一流的艺术鉴赏力。艺术家如何表达感情，不止是艺术家自己说了算，要听制作人的！在录制 Tosca的时候，Legge曾经让Tito Gobbi把一个句子按照Legge的要求唱了40遍才算通过。

    立体声LP的出现，促成了制作人理念的再一次飞跃。这第三代，也是最后一代制作人的代表人物，就是Decca的John Culshaw。John Culshaw要让音乐不仅能听，借助立体声技术，音乐还要能“看”见。自然，Culshaw的领域主要在歌剧方面。标志性作品就是这套指环。

    随着商业利益对艺术追求的侵蚀，今天唱片公司已经不太愿意在录音室做大制作了。EMI发行的Pappano指挥的Tristan可能是录音室歌剧的绝唱。唱片制作只剩下录音技术与市场营销手段。可以说，唱片制作人这个行当，已经消失了古尔德作为一个复调音乐的拥护者，“最后的清教徒”，对莫扎特天真烂漫的主调音乐抵触可能不仅仅是因为莫扎特对复调音乐的“不重视”，而是对莫扎特音乐中透出的快乐和宫廷式奢靡的轻视。要说莫扎特不懂对位不如说他更喜欢旋律线条明朗，感情表达直接的主调音乐。一同登场的还有老搭档钢琴家蓝伯特 欧尔吉斯。乐声响起虽然我在第一排还是感觉这个剧场混响时间蛮长的，听起来小提琴和钢琴都有些微微的延时似的。由于距离近小提琴每一根弦和弓摩擦发出的声音听得清清楚楚，嚓弦声也很明显但也不是家里音响放出来那种比较夸张的效果。第一曲慢板小提琴的声音好温暖啊,尤其是那几下E弦上细细的长音更是让人体会到女性演奏家独特的细腻和温柔。现场的好处就是哪怕这样轻轻的细长音其质感还是极佳的。上半场2首曲子的演绎二位大师完全是驾轻就熟、随手拈来，配合默契。看穆特姐的演绎感觉就是轻松！那是相当的轻松。如果说霍洛维茨在演奏时是在玩钢琴的话此刻的穆特就是在玩小提琴了，

众人拾柴火焰高，难得小伙伴你来走一朝。

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大开眼界
但是作者的文章里面有一个问题，即便是在现场，听到的，绝大部分观众也都是通过音响了的，现场的喇叭放出来的；所以如果要把唱片或者mp3做得复杂，可以用这个技术录音做成文件好了，完全是可以的。

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